A l'issue de la projection de Cloclo, l'évidence apparaît plus aveuglante qu'un flash en plein visage: Florent Emilio Siri est parvenu avec son film à supplanter tous les biopics réalisés à ce jour. Et prouve notamment qu'une biographie filmée (même si le terme "film musical" s'adapte bien mieux au long-métrage) ne signifie pas forcément abandon des prétentions artistiques et effacement du point de vue. Là où Olivier Dahan oeuvrait dans la vaine image léchée avec son pitoyable La môme, Siri propose un vrai film de cinéma doté d'une réalisation véritablement ahurissante de maîtrise technique et d'idées de mise en scène. 

Suivant la trajectoire de Claude François depuis sa naissance en Egypte jusqu'à son décès Boulevard Exelmans à Paris, le metteur en scène imprime à son film un pouls de plus en plus rapide, le film se resserrant comme dans un entonnoir au fur et à mesure que l'histoire se déroule. Ainsi, aux ellipses du début, le metteur en scène adoptera un rythme de plus en plus resserré autour des heures, des minutes, et finalement des secondes (la séquence de la mort de Cloclo), soumettant in fine le film au rythme de vie du chanteur lui-même.

L'autre grande idée du film consiste à utiliser les chansons de Claude François comme illustrant les différentes étapes de sa vie, à l'image de 17 ans, que l'on entend au début du métrage, lorsque la future vedette est un adolescent et n'a encore composé aucune chanson. L'on se rend compte alors de la grande influence de la vie du chanteur sur ses oeuvres (Comme d'habitude, Cette année-là, Le mal-aimé, etc...), l'existence même de Cloclo pouvant se décrypter au travers des paroles de ses chansons.

Partant du postulat que la maniaquerie, l'opiniâtreté et le souci du détail légendaires de Claude François viendraient du manque de reconnaissance de son père, Siri livre fondamentalement un film s'attachant à dépeindre la relation entre un père et son fils, ce dernier s'évertuant toute sa vie à vouloir prouver à son papa que son choix était le bon et que son travail de "saltimbanque", comme le décrivait son père, était finalement le meilleur pour lui. Oeuvre profondément intimiste, Cloclo ne s'inscrit en outre jamais comme une hagiographie mais se veut avant tout honnête et sincère dans sa description d'un homme dont les aspérités n'avaient d'égal que le caractère insaisissable de sa personnalité.

Toujours au plus proche de son héros, Florent Emilio Siri ponctue son film de plans-séquences absolument renversants, à l'image de la scène suivant Claude François depuis son appartement jusqu'à son bureau, en passant par sa voiture assaillie de groupies. La caméra semble faire fi des obstacles (on entre dans le véhicule, ce dernier se met en marche, roule, la caméra ressort de la voiture, etc...), dans une fluidité proprement sublime qui laisse pantois. La prouesse technique inspire le plus grand des respects, non seulement par sa forme, mais également par le sens qu'elle produit, en nous faisant partager à la seconde près et sur une durée jamais dilatée le quotidien de la star et ce que ce dernier pouvait ressentir, créant ainsi une empathie immédiate pour un homme qui se sera finalement laissé détruire par son souci de reconnaissance paternelle. Chez Siri, la forme dicte toujours le fond, ce qui finalement constitue le propre du cinéma.

Soulignons enfin la magistrale interprétation de Jérémie Rénier, ce dernier parvenant à faire oublier dès ses premières apparitions qu'il est un comédien incarnant Claude François, tant son talent parvient à nous faire croire que l'on se trouve véritablement devant Cloclo lui-même (nul mimétisme, mais une incarnation troublante parvient à créer ce magnifique et déstabilisant subterfuge). 

Oeuvre pourvue d'une émotion permanente et d'une mise en scène de très haute volée, soutenue en outre par une partition d'Alexandre Desplat à faire chavirer les coeurs, Cloclo se ressent de la première à la dernière image, et s'impose comme le meilleur film de son réalisateur.

Brian de Palma, John Woo et JJ Abrams, respectivement réalisateurs des trois premiers épisodes de la franchise Mission: Impossible, s'étaient vus phagocyter leur vision par la puissante mainmise de Tom Cruise, producteur de la série, soucieux de verrouiller à son image le maximum de paramètres des trois longs-métrages. Comment Brad Bird, réalisateur du meilleur film des studios Pixar (le chef d'oeuvre Les Indestructibles), comme de son plus mauvais (l'indigeste Ratatouille), allait-il appréhender ce contrôle de la star pour son passage du cinéma d'animation au cinéma live ? 

Loin de se placer en retrait ou de faire preuve d'humilité pour son premier film hors animation, Brad Bird parvient au contraire à livrer le meilleur épisode de la série depuis le premier, tout en dépeignant tout au long du métrage la seule alternative possible à la déliquescence et au délitement individualiste de nos sociétés: le groupe, l'entraide, en un mot, la collectivité. John Ford, grand défenseur du groupe face à l'individualisme, trouve en Brad Bird un digne successeur dans la peinture de cette thématique.

Immergeant le spectateur dans le film dès l'apparition des logos pré-génériques par un crescendo de violons (sublime musique de Michael Giacchino), le film conservera deux heures durant un rythme plus que soutenu, ne souffrant qu'un léger relâchement lors de la scène de réception dans un hôtel de Mumbai, tirant un poil en longueur. Hormis ce bémol, le pouls du long-métrage restera tendu de bout en bout, distillant un suspense et des scènes de tension intenses (la séquence du couloir au Kremlin, le Burj Khalifa, la scène d'action finale), Brad Bird ne laissant aucun répit au spectateur, témoignant ainsi d'une remarquable gestion du temps, du rythme et du crescendo émotionnel.

Par ailleurs, et pour la première fois depuis le début de la franchise, Tom Cruise ne s'inscrit plus comme le héros autour duquel gravitent des personnages secondaires faisant davantage figures de faire valoir que de protagonistes dignes de ce nom. Ainsi, dans un monde en perte totale de repères (l'équipe Mission: Impossible ne dispose quasiment plus d'aucune ressource), livrés à eux-mêmes, fonctionnant à l'instinct davantage qu'à la réflexion, les personnages trouveront leur salut dans une entraide permanente et une mise en commun de leurs forces, les choix du personnage de Ethan Hunt(en substance, le groupe plutôt que l'individualisme) s'inscrivant alors comme l'alternative au salut de sa mission (et, par extension, au salut de l'humanité). La scène finale en terrasse synthétisant dans le texte cette idée plus que respectable.

Mission: Impossible - Protocole Fantôme signe donc l'entrée plus que réussie de Brad Bird dans le monde du cinéma live, tout en ressuscitant la carrière de Tom Cruise et en proposant une réflexion inattendue pour un blockbuster d'action de cette trempe sur la décrépitude du monde et les moyens d'y survivre. 

Un riche tétraplégique s'adjoint les services d'un black de banlieue comme aide à domicile. A la lecture de ce point de départ, on pouvait légitimement s'attendre à tous les clichés découlant de la collision des personnalités de deux protagonistes qu'a priori tout oppose. Car dans le genre buddy movie à la française, le film de Toledano et Nakache a le désavantage de venir après La grande vadrouille, L'emmerdeur, La chèvre, ou plus récemment le carton ch'ti de Danyboon. En gros, après la guerre. Difficile dès lors d'oeuvrer dans l'originalité. Et malgré un premier quart d'heure raté (hors séquence pré-générique sur laquelle nous reviendrons), les deux metteurs en scène réussissent leur pari. Mais les raisons de cette réussite (et du succès du film en salle) ne viennent paradoxalement pas d'où on les attendait.

Le coeur du film commence à émerger dès la scène précédent le générique d'ouverture. Sur une musique de toute beauté de Ludovico Einaudi, ce flash forward nous présente les deux personnages principaux dans une voiture. Ils n'échangent aucun mot. Le personnage de Driss (Omar Sy) jette de temps à autre un regard à Philippe (François Cluzet). La scène, mélancolique, nous fait immédiatement comprendre qu'il y a quelque chose de cassé dans ces personnages, une tristesse latente et palpable. Et la suite de la séquence de basculer dans un humour salvateur qui les sauvera tous deux. Avec cette scène, les deux réalisateurs impriment d'entrée le sujet de leur film: des personnages en proie à une tristesse insondable qui s'évertuent à garder la soif de vivre. Là et là seulement réside la grande force du film, car sans ce substrat dramatique, le long-métrage ne serait qu'une comédie française de plus. Il n'en est bien heureusement rien.

Pourtant, et après l'inepte inscription sur l'écran de la phrase "Inspiré d'une histoire vraie" (comme si le fait que le film s'inspire de la réalité lui donne une plus-value, une légitimité, une raison supplémentaire d'exister), après cette inscription, donc, qui n'apporte strictement rien et qui a le don de m'exaspérer au plus haut point, comme si la fiction ne pouvait se suffir à elle-même, Toledano et Nakache ratent les premiers instants du film. En effet, les vannes sur les handicapés fusent d'entrée, alors même qu'aucun lien profond n'ait pu s'établir entre Driss et Philippe. Les personnages n'ont ainsi pas encore eu le temps d'exister ni de forger un tant soit peu leur relation, que les blagues déboulent, ne provoquant de fait aucun rire puisque l'on n'a pas encore eu le temps de s'attacher à nos personnages qui, eux-mêmes, n'ont pas encore eu le temps de devenir complices. Des gags forcés, donc, qui trouveront cependant par la suite une vraie force et une réelle portée comique dès lors que les protagonistes existeront véritablement.

Passé ce premier quart d'heure, le film prendra enfin son envol, et parviendra à nous toucher par son propos salvateur: la vie à tout prix, envers et contre tout. D'un côté Driss, personnage profondément blessé par la vie et rejeté par sa famille, de l'autre Philippe, milliardaire handicapé et de fait exclu du monde. Mais une volonté commune d'aller de l'avant, de ne pas se vautrer dans la fange de la tristesse, et de faire fi du destin. Ainsi, les plus beaux moments du film (et les plus émouvants) sont ceux dans lesquels l'insondable tristesse des personnages submerge l'écran. Moments toujours muets mais marqués par la sublime composition musicale de Einaudi, ils parviennent, sans un mot, à dresser le portrait intime des protagonistes. Par ailleurs, les nombreux plans filmés face au soleil, dans lesquels les rayons de ces derniers viennent caresser Driss et Philippe, s'inscrivent comme un appel à la vie et une renonciation à la tristesse.

Oeuvre salvatrice dotée d'un humour et de dialogues qui font quasiment toujours mouche, Intouchables résonne jusque dans son titre comme une déclaration d'amour à la vie: en allant vers elle et en refusant la fatalité, rien ne peut vous faire de mal. En réussissant le pari de ne jamais rendre leur film moralisateur mais en choisissant au contraire d'imprimer par touches discrètes et sensibles leur propos, Eric Toledano et Olivier Nakache livrent une oeuvre d'une justesse, d'une émotion et d'un optimisme dont on leur saura longtemps gré.